Prossime Trascendenze

Mimmo è ben conosciuto per il rigore di una progettualità lucida e viva, oltre che per la rinomata voce del suo soprano, di grande nitore, sempre ammaliante, eppure analitica, capace di incidere all’ascolto donando una sicura sensazione di essenzialità, naturalmente vocata a escludere il superfluo.

Inoltre è largamente apprezzata l’attività della sua etichetta Amirani, dedita alla testimonianza di un settore artistico tanto sotterraneamente vitale in Italia quanto privo di riscontro e reale sostegno.

Nell’album -in parte ispirato a due dipinti di Felice Casorati- si ritrovano tutti gli spunti sopra detti e in più vi si aggiunge il disvelamento di finissime capacità di costruzione (sia sotto il profilo compositivo, sia sotto quello dell’assemblaggio delle notevoli individualità coinvolte) da parte del leader che dipana con encomiabile cura e attraverso due diverse formazioni un discorso ispirato a un camerismo assai elegante e forbito, eppure capace di mantenere tensioni che escludono il rischio dello svilimento a formula.

Diventa così essenziale una capacità quasi di tipo registico nella scelta degli interpreti e nella loro puntuale conduzione; essi del resto sono, insieme a Mimmo, tutti padroni di un suono fortemente affinato e personale. 

E nella coesistenza felice tra simili sfoggi di grande personalità (mai autoreferenziali) è il viatico migliore pure per il perseguito ideale di suono comune.

Un album di musica strutturata dalla penna del più nobile tra gli improvvisatori italiani, non può che muoversi con la consueta grazia semantica tra generi e timbri, gravido di conoscenze contemporanee, suggestioni cameristiche e visioni transgender che da sempre convincono, riscattando la musica e la sua palpitante emozionalità dai ghetti dei generi e delle mode.

I Due Sestetti (2015) e i Cinque Multipli(2014)composti da Gianni Mimmo sono affidati, oltre che allo stesso autore, a devoti alla musica nuova di lungo corso quali Alison Blunt, Fabio Sacconi, Benedict Taylor, Angelo Contini e altri noti compari di altre avventure, tutte ardite ben oltre le colonne d’Ercole della musica.

Qui vengono offerte percezioni argute di linguaggi inauditi per una nuova semiologia del suono, alle quali Mimmo ci ha da tempo abituato sia come musicista che come discografico con la sua Amirani, in odore di santità.

Echi di tutto ciò che dall’improvvisazione barocca a Stockhausen, Mingus e Braxton ci hanno sedotto sono gli ingredienti di questa ricetta personalissima ove la visone strutturale della composizione lascia ampio spazio all’improvvisazione plastica e seducente dei musicisti complici di questa straordinaria cospirazione.

Le Prossime Trascendenze di Mimmo sono anche, giocoforza, quelle di tutti coloro che vivono la musica perché  soprattutto, qui, trattasi di musica: seria, bella, intelligente, attuale. IMPERDIBILE.

Prossime Trascendenze, a project that finds Mimmo in the role of composer as well as performer, also involves the interpretation of graphic scores. Composed between 2014 and 2015, the scores are explicitly directed toward bringing into dialogue the prescriptive and improvisational sides of graphic composition and its interpretation. In contrast to the Traces project, the majority of whose scores were interpreted by solo performers, the Prossime Trascendenze project involves interpretation by sextet and quintet. Inviting larger groups to interpret scores that are at least partly indeterminate brings with it several challenges. Not the least of them is the multiplication, by the number of players involved, of the necessarily subjective response to the score’s notation. Such a subjective dimension is an irreducible element in any interpretation of graphic notation; when multiplied, it implies a need to somehow harmonize or fuse responses that may otherwise diverge. When realized by a group, conflict of vision is always a possibility lying latent within the situation the graphic score creates. Mimmo addresses this situation by narrowing down and specifying certain details of the desired performance. The composer offers information on parameters such as duration, dynamics and register, while instructions on articulation, mood, pitch range, foreground-background gestalts and other variables are distributed among individual instruments within the ensemble. Mimmo has, in other words, mediated the graphic score’s inherent indeterminacy through the relational determinacy of orchestration. The importance of orchestration, with its divisions and syntheses of instrumental timbres, is a reminder that part of Mimmo’s inspiration for these works derives from an appreciation of painterly dynamics. (The two sextet pieces are in fact named for paintings by Felice Casorati--Daphne and Donna Sdraiata, respectively.) The ensemble pieces were imagined much as paintings would be imagined—as a set of formal relationships among colors. And it is through the timbral details of orchestration Mimmo converts this conceptual grounding from imagined analogy into the concrete fact of embodied sounds. The ensembles chosen to realize these works are both mixed groups of winds, brass and strings, with percussion appearing in the quintet interpreting 2014’s Cinque Multipli. Both sets of compositions, sensitively played on the Amirani recording released late last year, deftly exploit the interactions of instruments of similar range but dissimilar timbre. In Daphne this difference effect is woven into a quasi-fugal overlapping of long lines—in its deliberate unfolding and gradual addition of voices it recalls Bach’s Musikalishes Opfer—whereas The Nestled Thought works more on a divisionist principle by separating out the instruments into solo events of pure color. The five pieces of Cinque Multipli (2015) push Nestled Thought’s divisionism one step further into an open-textured, Webern-like pointillism. If for the two sextets color is a function of line, here it is a matter of phrasing, of disparate timbres complementing and completing each other’s statements. Much of Cinque Multipli’s success hinges on Mimmo’s deft management of figure-ground relationships and his ability to maintain movement between and within dynamic and dynamically shifting instrumental subunits

Puntata più realista del re, verrebbe da definire quella che state per leggere, essendone il copione fra i nostri più classici: generosa carrellata di dischi (dodici), progredendo per organici crescenti, spesso atipici. Partiamo quindi dal duo, con un protagonista quanto mai familiare di queste aree, il flautista friulano Massimo De Mattia, che nel live Blue Fire (Klopotec) si abbina al pianista Giorgio Pacorig, suo conterraneo, per una galoppata di quasi tre quarti d’ora senza soluzione di continuità in cui i due danno vita a uno scambio ora fitto, ora più distillato, prendendo a turno in mano le redini della performance, pur nel prevalere del dialogo a due voci.
Un’altra coppia, giovane, formata dal clarinettista trevigiano Alberto Collodel e dal bassista modenese Simone Di Benedetto, è al centro di DST – Il sistema periodico (Aut), album di estrema eleganza e aplomb, a cui non fa peraltro difetto la capacità di saltare ogni tanto fuori registro, con esiti dialettici degni di nota. Un’accoppiata da tener d’occhio. Non altrettanto riuscito appare il terzo e ultimo album in duo di cui ci occupiamo, Live at Španski Borci (Leo), firmato dal trombonista siciliano (ma da tempo trapiantato in Germania) Sebi Tramontana e dal polistrumentista tedesco (qui clarinetti e sax alto) Frank Gratkowski, due veterani che non si discostano da una pratica di improvvisazione senza rete ormai trita e ritrita, per quanto, nello specifico, non priva di spunti interessanti, favoriti anche dalla brevità dei brani (quindici).
Salendo di un gradino, eccoci ai trii, anch’essi tre. Il primo si deve al trombettista-filosofo veneziano Massimo Donà (foto in alto), una vita a studiare Miles Davis e una discografia fin troppo esigua, oggi rimpinguata da Il santo che vola (Caligola), album originale e un po’ bizzarro in trio con sax e percussioni (più ninnoli vari, nelle mani di tutti) ispirato a San Giuseppe da Copertino (sic!), le cui gesta sono narrate in clima semiserio (ci entra pure Carmelo Bene) nel corso del cd. Che ha, di conseguenza, alti e bassi e una fisionomia più unica che rara. Meriterebbe anche solo per questo.

Strano trio pure I giganti della montagna, sax tenore, piano e violoncello, al centro di Io sono tre (Improvvisatore Involontario), che anche solo il titolo non è male, come singolarità. L’album, alla fine, è un po’ discontinuo, a tratti un po’ rigido, ingessato, ma nel complesso apprezzabile per il taglio sperimentale, la ricerca costante e certi picchi degni di nota. Con un contrabbasso – quello della leader, la romana Federica Michisanti (foto qui sopra) – al posto del violoncello, e il tenore affiancato da oboe, corno inglese e clarone (tutti nelle abili mani di Matt Renzi), eccoci quindi a Isk (Filibusta), ispirato ai trii drumsless di Jimmy Giuffre. L’humus è quello, specie nei brani al tenore, dal timbro scuro e vagamente démodé, e pur senza particolari salti in avanti tutto procede al meglio.
E veniamo ai quartetti, quattro, inframezzati da un sestetto. Quello protagonista di Moonlanding (Tuk) è guidato da un altro bassista, lui però di lungo cabotaggio, Paolino Dalla Porta, per un cd alquanto controverso, fra episodi di grana piuttosto grossa e altri decisamente più ispirati. Sax tenore, chitarra elettrica e batteria gli fanno da cornice, sfoggiando ottimo amalgama e un bel suono d’assieme, per un disco solido non esente, come detto, da qualche eccesso di misura e qualche ovvietà, il che non si può dire di Double Cut (UR), dove i sax sono due, Tino Tracanna e Massimiliano Milesi (soprano, alto e tenore, in tutto, più melodica, ecc.), oltre a contrabbasso, Giulio Corini, e batteria, Filippo Sala, tutti pariteticamente firmatari del cd, che ha grande energia, affonda le sue radici in un post-bop spinto (nel senso di avanzato), fra impasti tellurici di marca (anche) R&B e Ayler (ma qua e là anche Coltrane), come spettro estremo. Detto così parrebbe un lavoro derivativo, ciò che non è, perché la carica e il suono d’insieme hanno forte identità.
Una forza non indifferente sfoggia da subito anche Molester sMiles (Milk), di cui sono parte ancora Milesi e Sala, più Achille Succi, sax alto e clarone, Giancarlo Tossani, tastiere, Enrico Merlin, chitarra, e Giacomo Papetti, basso (foto sotto). Il referente del cd, su indirizzo di Merlin (che ne è un esegeta), è il Miles Davis post-svolta elettrica, senza dimenticare i gruppi ad esso affini, americani quanto inglesi (Soft Machine seconda maniera, per esempio). Il risultato è un cd di notevole impatto, magari a volte un po’ sovraesposto, ma comunque di bella energia e bella coralità.

Torniamo ai quartetti e zoomiamo sul trombone, new entry di questa rapida carrellata. Due i dischi, in realtà di registro alquanto diverso. Il primo vede infatti il trombone al centro della scena; lo si deve al siciliano Tony Cattano, notevole talento già una quindicina d’anni fa, che in Naca (Aut) si abbina a violino (il grande Emanuele Parrini), basso e batteria per confezionare un album di grande valore, con un suono molto preciso che il violino (qua e là la viola) irrora di venature country, in un impasto bellissimo, di grande fascino e ricchezza. Diverso il caso di Light (Albòre), in cui già il titolo ci dice quanto solidità e pienezza lascino il posto a un deambulare ben più astratto, parsimonioso, non di rado intriso di umori iterativo-minimalistici. Il trombone è quello, eccelso, di Gianluca Petrella, ma la paternità del cd è del romano Rossano Baldini, il cui pianoforte, massicciamente calato in coltri elettroniche peraltro mai invadenti, imperversa, con risultati convincenti a singhiozzo, per quanto, del totale, si apprezzino il rigore, la coerenza, lo sguardo non banale.
E chiudiamo col cd più felice del lotto, Prossime Trascendenze (Amirani), inciso in quintetto (Cinque Multipli, 2014) e sestetto (Due Sestetti, 2015) privilegiando i fiati con intenti squisitamente cameristici. Ne è al centro il sax soprano di Gianni Mimmo, mentre tutto il resto cambia fra i due organici: nel totale corni inglese, francese e di bassetto, tromba in do, trombone, viola, violino, contrabbasso e percussioni. Il risultato è un caleidoscopio di situazioni, soprattutto timbriche, di estremo fascino ed eleganza, l’ennesimo grande disco del sopranista pavese, evidentemente troppo raffinato, prezioso, per ottenere l’apprezzamento che meriterebbe. E che per buona sorte gli è tributato all’estero.
 

[…] Like standing in front of a painting...the longer looking the more seeing...moving into something meditative like...traveling to places, multicoloured views of horizons unknown[…]

Au fil des ans, le saxophoniste soprano Gianni Mimmo a tracé sa voie et son label Amirani records contient de vraiment beaux et / ou intéressants témoignages de ses rencontres depuis le milieu des années 2000. Angelo Contini, John Russell, Harri Sjöström, Gianni Lenoci, Daniel Levin, Alison Blunt, Xabier Iriondo, Lawrence Casserley et Martin Mayes pour citer quelques-unes de ses collaborations. Sa démarche improvisée a quelques ramifications avec celle d’un compositeur, si on considère que le fil de ses improvisations suit la logique des intervalles très particuliers d’une pensée harmonique sophistiquée, de structures plutôt que de laisser cours à une spontanéité épidermique. Il y a aussi beaucoup de sensibilité dans son jeu et un goût sûr pour la mélodie monkienne héritée de Steve Lacy, car sa musique free résolument contemporaine, mais sans excès radical, est solidement imprégnée par l’expérience du jazz d’avant-garde. Il cite Roscoe Mitchell, Steve Lacy et aussi des compositeurs comme Schiarrino, Scelsi …. Prossime Trascendente se compose de deux projets de compositions graphiques écrites spécifiquement pour deux groupes distincts avec une instrumentation choisie dans l’esprit de la musique de chambre. Due Sesteti : Gianni Mimmo sax soprano, Michele Marelli cor de basset, Mario Mariotti trompette en do, Angelo Contini trombone, Benedict Taylor viola Fabio Sacconi. Cinque Multipli : Gianni Mimmo sax soprano, Mario Arcari, cor anglais, Martin Mayes, cor, Alison Blunt violon, Marco Clivati percussion. Dès le départ, il faut souligner la qualité de son travail. Daphne offre quelques mouvements associant les couleurs instrumentales comme si cette pièce avait été écrite par un compositeur vingtiémiste, l’intérêt réel de cette pièce se dévoilant petit à petit par les associations de timbres ingénieuses, de glissandi curieux et les passages où les instrumentistes font valoir leur spécificité d’improvisateurs. Si Daphne est plutôt basé sur l’évolution du son d’ensemble, The Nestled Thought met en scène un jeu de questions et réponses avec un sens de l’équilibre original basé sur des interventions solistes. La conception et la réalisation sont particulièrement réussies par rapport à ce que requiert la partition. Les musiciens sont appelés à tracer l’essentiel de leur propre pensée musicale dans des instants mesurés, calibrés et destinés à former un ensemble d’actions dans le temps. Toutefois, si cette démarche a des qualités de clarté et si ces excellents musiciens travaillent au mieux (il faut écouter la précision dans le jeu dans ces « semi improvisations » à la minute huit et neuf, par rapport à leur propre langage et ce dont ils sont capables de jouer en improvisant librement, on est en retrait par rapport au potentiel. Je connais particulièrement bien les travaux de Mimmo, Contini, Blunt et Taylor en long et en large pour les avoir croisés plus d’une fois. Le déroulement de ces compositions, très réussi sur le plan formel, et leur dynamique n’offrent pas le contenu réel et profond de leurs personnalités d’improvisateurs, mais en incarne plutôt une vision schématique, hiératique, stylisée. Si on se réfère à l’écoute de la musique de Duke Ellington, on avait à l’intérieur d’une pièce montée, calibrée et minutée, l’expression la plus profonde de chaque artiste. Ce n’est pas vraiment le cas ici, même s’il y des passages requérants. Cinque Multipli est formé de cinq compositions comme son titre l’indique avec la deuxième Five Facets se subdivisant en cinq miniatures qui résument, semble-t-il, des attitudes individuelles vis-à-vis du moment musical : observing, describing, acting with awareness, non judging of inner experiences, non reacting of inner experiences. Dans Eserczio della distanza, le groupe atteint un momentum avec les phrases engagées des souffleurs et les interventions du percussionniste Marco Clivati. Je relève aussi une surprenante courte intervention d’Alison Blunt. C’est donc un excellent travail orchestral et on doit saluer le travail précis et achevé de tous les musiciens. Mais cette expérience n’exerce pas sur moi-même la même fascination que la démarche et les sons de la musique improvisée libre radicale où des improvisateurs expérimentés associent leurs sons instantanément en révélant les mystères de leurs instruments respectifs et conduisent l’improvisation collective avec un sens inné de la construction musicale ou dans l’expression inouïe de la vie et de la condition humaine. Bien sûr, dans cette mouvance musicale, il y a une bonne dose de groupes pas vraiment intéressants, je l’avoue : cette musique est une tentative. Mais face au haut de gamme, c'est autre chose. Ici, la formule fonctionne et les musiciens assurent. On peut comparer seulement en connaissance de cause. Il faut bien sûr souligner l’intérêt de ce type d’entreprise ne fut-ce que pour le jeu à la fois contrasté et empathique des associations instrumentales, des assonances et consonances, des couleurs. Si les compositions notées graphiquement de Gianni Mimmo sont très satisfaisantes au point de vue formel et temporel – les bonnes idées pullulent -, leur réalisation ne permet pas, à mon avis, de mettre en valeur la spécificité intime de chaque musicien / improvisateur, leur grammaire et leur syntaxe personnelles, connaissant bien moi-même certains d’entre eux. Les occurrences sonores permises par les procédés d’écriture de Gianni Mimmo tombent parfois sur des solutions relativement conventionnelles par rapport à l’expérience acquise en musique contemporaine depuis une soixantaine d’années, alors que d’autres titillent l’écoute car elle délivre plus de spontanéité et d’allant. Sans doute ce projet aurait vraiment mérité d’être expérimenté plus avant, en public, afin de tirer le suc de l’expérience pour un enregistrement postérieur. Toutefois, le jeu vaut vraiment la chandelle car je suis certain que le talent de Gianni Mimmo, son expérience d’improvisateur et ceux de ses collaborateurs, feront évoluer ce concept. Bref, le résultat de cette démarche prête à discussion, mais cela devrait sûrement être reçu cinq sur cinq par les amateurs entre jazz contemporain et musique classique du XXème (Schönberg, Bartok etc..), car c’est, comme décrit plus haut, super bien réalisé et convaincant du point de vue formes et exécution, s'il faut le répéter.